71e Festival International du Film de Venise, Venise Lido, Italie 28 août - 6 septembre 2014 Par Rossella Valdrè et Elisabetta Marchiori, Société italienne de psychanalyse Traduction anglaise par: Flora Capostagno Lu dans Italien

"L'art est subversif car il est lié à l'inconscient.
Plus un film est connecté à l'inconscient, plus il est subversif. Comme les rêves ".
(David Cronenberg)

Pour la deuxième année consécutive, des psychanalystes de la Société italienne de psychanalyse (Rossella Valdrè, Elisabetta Marchiori et Massimo De Mari), qui partagent une passion pour le cinéma et la psychanalyse, ont assisté à la 71e édition du Festival international du film de Venise, un événement culturel de résonance mondiale , en envoyant quotidiennement un commentaire «en direct» sur les films vus - avec leurs impressions et sensations de l'atmosphère générale - sur le site Internet de notre Société (www.spiweb.it ).

Rappelons que le cinéma et la psychanalyse semblent partager un destin indissociable: ils sont nés ensemble à la fin du siècle dernier. Depuis lors, la magie du cinéma, sa capacité à dépeindre le rêve et le monde intérieur des humains, ont fait l'objet d'un intérêt particulier pour la psychanalyse. L'un nourrit l'autre: nous sommes d'accord avec Cronenberg pour affirmer que le cinéma, en tant que psychanalyse, est par nature un «acte subversif». Non lié par le bon sens, il est lié au rêve: il doit représenter la réalité, mais aussi la transfigurer, la rendre spéciale et poétique à travers le récit personnel du réalisateur, le visage spécifique de l'acteur. J'ajoute qu'ayant assisté à d'autres festivals de cinéma, qui ont toujours été excellents, cette atmosphère magique est mise en valeur par le caractère unique du Lido de Venise, une île suspendue dans le lagon. Une position «dans les limbes» qui semble permettre aux images d'accéder plus facilement à l'inconscient.

Passons au Festival de cette année. Pour la première fois, le Président du Jury est un musicien, Alexandre Desplat, compositeur français de bande-son de renommée internationale, qui a conclu son discours de remise des prix avec cette expression la plus française: Vive la musique! Vive le cinéma!

Comme toujours, le calendrier est riche et varié, offrant un scénario des arts cinématographiques du monde entier: cinquante-cinq films ont été présentés, dont vingt en compétition, plus quatorze courts métrages et dix-neuf classiques restaurés (dont le prix revient à Una giornata particolare d'Ettore Scola, 1978 Oscar du meilleur réalisateur et du meilleur acteur). Ces derniers sont plus qu'un simple hommage au passé: une contribution sérieuse au sauvetage de chefs-d'œuvre menacés d'oubli, à l'image de la restauration des déménagés opérée par la psychanalyse.

Il est impossible de lister tous les films examinés et je me limiterai au film d'ouverture, le très apprécié Birdman d'Alejandro G. Iñárritu, interprété par Michael Keaton; parmi la dizaine de films italiens en compétition et hors compétition, Hungry Hearts de Saverio Costanzo, avec ses acteurs Alba Rohrwacher et Adam Driver recevant la Coppa Volpi comme meilleurs acteurs, la saga familiale sombre d'Anime Nere. Puis les touchants témoignages biographiques de deux illustres noms de la littérature et de la poésie italiennes, Pasolini d'Abel Ferrara et Giacomo Leopardi d'Il giovane favoloso de Mario Martone. Une fresque de toute la gamme des émotions humaines et donc profondément proche de la vision psychanalytique: Hungry Heart puis une histoire avec le splendide The look of silence de Joshua Oppenheimer, qui expose le génocide indonésien sous-estimé et remporte le Grand Prix du Jury (en les mots émotionnels de Tim Robbins, «un véritable chef-d'œuvre»); le malaise de la famille contemporaine et de nos enfants manifestant leur aliénation (I nostri ragazzi); des réalités sociopolitiques distinctes (du Sud italien dans Anime Nere, Belluscone aux nombreux films orientaux primés); les histoires d'enfants et d'adolescents (Terre battue, Le dernier coup de marteau, Sivas, Personne n'a d'enfant, Theeb); l'univers économique mondialisé sans scrupules (99 Hommes), la nostalgie irréductible du drame israélo-palestinien (Villa Touma, une interprétation toute féminine) ou la solitude (Manglehorn).

Sérieux et qualitatifs sont les adjectifs qui distinguent la sélection de films de cette année: tous, comme l'a souligné Alexandre Desplat, choisis parmi des œuvres englobant l'engagement politique et social ainsi que l'humanisme et la poésie.

Humanisme et poésie. «Le cinéma active l'enfant en nous», comme l'a dit Saverio Costanzo. Peut-être le Golden Lion Award au Suédois Roy Andersson, Un pigeon assis sur une branche réfléchissant à l'existence, de même le Lion d'argent au Russe Končaloski pour Les nuits blanches du facteur reflétait le désir de privilégier l'âme poétique du cinéma, ses qualités mythiques de conte de fées, ainsi que pour mettre en évidence le drame et la misère de l'humanité. Même dans la représentation la plus fidèle de la réalité, le cinéma n'est jamais une simple reproduction: c'est la figure poétique de l'auteur qui transpose la réalité en art.

Je voudrais souligner l'originalité de l'initiative, Tribeca Film Festival également, soutenue par le comité de rédaction de SPIWEB et coordonnée par PR Goisis, en charge de l'espace cinéma.  http://www.spiweb.it/index.php?option=com_content&view=categories&id=380&Itemid=449

Il s'agit d'une couverture de style journaliste dont le contenu psychanalytique, loin des pédaliers de fauteuil et dans l'âme vivante du cinéma, prend sans réserve le côté éphémère du spectacle, le frisson et le plaisir de la compétition, avec son aspect sans doute régressif (mais le cinéma n'a-t-il jamais un avantage régressif?). Puis, après l'agitation, l'analyse.

Avec la fermeture du Festival, comme cela se passe à la fin d'un processus analytique, chaque film fera son chemin, aura sa propre vie, en partie imprévisible. Comme si le patient était «oublié» par son analyste et laissé entrer dans le monde.


Le vainqueur du Lion d'or du Festival international du film de Venise: un pigeon assis sur une branche réfléchissant à l'existence

Rossella Valdre

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«D'une certaine manière, cela semble me remplir la tête d'idées…
seulement je ne sais pas exactement ce que c'est »
(Lewis Carroll)

Le lauréat du Lion d'or du meilleur film du 71e Festival international du film de Venise est Un pigeon assis sur une branche réfléchissant à l'existence, dernière partie de la trilogie du réalisateur suédois Roy Andersson "sur le fait d'être un être humain", qui comprend des chansons du deuxième étage (2000) et You, the living (2007). En recevant le prix, Andersson a déclaré: "Je suis très ému, la raison pour laquelle je suis devenu réalisateur est mon amour du cinéma italien", citant Bicycle Thieves de De Sica. Il a ajouté: "Vous, les Italiens, vous avez bon goût", même s'il y a le risque que les Italiens ne voient jamais son film dans leur cinéma local, car pour le moment il n'est pas destiné à la distribution. C'est une sorte d'ironie, en accord avec le sentiment de frustration désolante qui traverse les reflets du "pigeon".

Le film est composé de trente-neuf plans fixes, seul mouvement imperceptible de la caméra, commenté par des cartouches. Trente-neuf fenêtres sur la condition humaine. Trente-neuf tableaux merveilleusement cadrés, d'où émane une lumière livide qui frappe le spectateur par la netteté de ses profils, la perfection avec laquelle les figures sont dessinées, la toile de fond. Chaque détail est une nécessité, chaque mouvement des personnages a un sens, chaque ligne livrée contient des strates de messages directs et indirects qui engagent le public à un niveau conscient et inconscient. Chaque scène est à la fois une réalité grossière et cruelle et, en même temps, c'est l'abstraction et la métaphore. Chaque plan est saturé d'humour noir, ce qui oblige à rire entre les dents serrées.

La première scène, qui inspire le titre, parle d'un homme qui regarde hébété un pigeon en peluche dans la vitrine d'un musée d'histoire naturelle poussiéreux, tandis que sa femme l'attend, perplexe. Après: un homme meurt d'une crise cardiaque en essayant d'ouvrir une bouteille de vin; boitillant Lotta de Göteborg chante, au rythme de Glory, Glory, Hallelujah, sur la grappa servie en échange de baisers; dans un bar à la périphérie d'une ville éloignée, le roi Charles XII entre à cheval avec ses soldats en route pour combattre les Russes et veut emmener le jeune garçon dans sa tente; les soldats du passé forcent un groupe d'indigènes à l'intérieur d'un grand récipient et procèdent à leur rôtissage; une leçon de flamenco avec l'enseignant molestant un jeune élève. Ce sont, et bien plus, les personnages qui se succèdent, vont et viennent, parfois précédés de cartouches, dans les courtes scènes de nature théâtrale.

Les figures les plus emblématiques, qui reviennent et donnent une continuité à ces fragments du monde apparemment déconnectés, sont deux vendeurs du "secteur du divertissement". Ils ont l'air débraillé, gris, imperturbable avec des visages cendrés et inexpressifs qui essaient de vendre à des acheteurs improbables "des crocs de vampire dont des canines extra-longues; le sac de rire classique; et un nouveau produit auquel nous croyons vraiment, un masque d'oncle avec un seul dent". Une autre caractéristique récurrente est la phrase prononcée au téléphone par l'un ou l'autre des personnages: "Je suis content d'entendre que tu vas bien. Oui, j'ai dit, je suis heureux d'entendre que tu vas bien". L'interlocuteur est le public. Nous sommes ceux qui demandons: "Désolé, qu'avez-vous dit?", Et entendez la réponse: "Oui, j'ai dit, je suis heureux d'apprendre que vous allez bien." Autour est une désolation totale.

Andersson cite ainsi le cabaret expressionniste allemand, Brecht, Beckett, Valentin, Buñuel, les tableaux de Hopper et Bruegel, la photographie d'Olaf et il les refond dans une forme cinématographique originale et rigoureuse.

Pendant la projection, je me sentais comme Alice à travers le miroir (à travers le miroir et ce qu'Alice y a trouvé, Lewis Carroll, 1872), où tout est familier et, en même temps, renversé et inversé. Ensuite, j'ai pensé que cette association n'était pas si farfelue. Carroll était un génie du non-sens et ce travail a été décrit comme "une bible de l'absurde", "une saga de l'inconscient", avec une quantité de symboles extrêmement attrayants, peut-être trop attrayants, pour le psychanalyste, comme dans ce film. Son plus grand mérite est de nous laisser entrer dans un jeu créatif (Winnicott, 1971), dans lequel la réalité (interne et externe) est une production conjointe de l'artiste et du public, comme cela devrait se produire dans le «cadre» analytique. Une production qui ne cesse de surprendre, comme dans «l'aspect double vision / réalité caractéristique de l'ironie» (Sacerdoti, 1987), dont le film est imprégné.

Élisabeth Marchiori